陰翳礼賛~chiaroscuro~

Cinematographer 早坂伸 (Shin Hayasaka、JSC) 

◼︎ 『下北沢ダイハード』の撮影について

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  ドラマ24『下北沢ダイハード』が21日よりオンエアされます。下北沢を舞台に、小劇場系劇作家×PV系映像作家の組み合わせに自分のような映画系スタッフが参加しているオムニバス作品。テレビ東京らしい斬新な企画。と言うのも予算に限りがある深夜ドラマは、効率良く撮影するために場所を限定して撮ることが常識となっているが、今回はオムニバスであって毎回場所が異なった。1話を2日乃至3日で撮影するという極めてスキルを要する撮影となった。全11話。

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  当初プロデューサーサイドから、「全編iPhoneで撮影出来ないか?」という相談があった。リスクを承知の上で前向きに検討しようと様々なグッズやアタッチメントレンズ、映画撮影アプリを購入して実際に下北沢でテスト撮影を試みた。デイシーンのようなハイキーな画ではかなり綺麗に写るのだが低照度のナイター撮影となると暗部の情報のなさが顕著に現れ、「4k納品」というクオリティに程遠いと言わざるを得なかった。細かいシャッター開角度の調整が不可のためにフリッカーが出てしまう、明るいところから暗いところにパンするとノイズが出る、などの問題点も確認することが出来た。そもそも合成などが少なからずある作品においてiPhoneを選択する意味を見出せず、プロデューサーに説明し見送りの決定を下した。時には勇気ある撤退も必要だと思う。『タンジェリン』などiPhone撮影の映画も増えているが、デイシーンや白夜など大抵撮影条件が良いものが多い。2012年位にパク・チャヌク監督が『Night Fishing』という作品でiPhoneでのナイター撮影作品を撮っている。日本未公開で観られないのが惜しい。S・ソダーバーグも新作をiPhoneで撮ったと言う。

 

  採用したカメラはPXW-FS7というありきたりなものとなった。今回の実際の下北沢にあるスナックやライブハウスなど、狭いところでの撮影が多く軽量でコンパクトなこのカメラの選択は間違いではなかった。自前のα7sIIも常に帯同していたが、スチール撮影とフルフレームサイズがほしい時以外は使用しなかった。圧縮がかなり異なるため同じメーカーとは言え「混ぜると危険」である。

  普段、映画の時などは単玉中心に撮影を行うが、今回はタイトなスケジュールをこなすためにレンズチェンジの回数を少なくすることが命題となった。今年になって出たシグマの18-35mm T2.0が今回の撮影に向いていると思ってレンタル機材を探したがほとんど出回っておらず、急遽購入するしかなかった。予算の厳しい深夜ドラマでは、使用料的にまともに機材レンタルは使えない。今回も相当な出費を強いられた。事務所的には大赤字だが「先行投資」と割り切るしかなかった。

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  このレンズは素晴らしかった。ズームと言うよりはバリアブル・プライム(複合単玉)と言った方がしっくりくるディスタンスだが、全体の6割はこのレンズで撮影した。周辺歪曲やフォーカスを送った際に生じる画角のズレ=ブリージングもあまり感じず、エポックメーキングなレンズが出たと感じた。シグマは同時に50-100mm T2.0と言うのも出しているが、こちらはブリージングが酷くて購入は見送っている。

  撮影現場はまず監督のアイディアを聞いて意見を言うというスタイルをいつも以上に意識した。あまりカメラマンである自分が引っ張ると監督の持ち味を消してしまう危険性を感じていたからだ。杞憂だった。関和亮監督をはじめ、スミス監督、山岸聖太監督、細川徹監督、戸塚寛人監督いずれもしっかりしたビジョン持っていて芝居を構築するスキルを有していた。つまり自分の普段のスタイルを崩さずに取り組むことが出来た。必要なカット数を稼ぐために手持ちも多用した。前期のレンズも決して軽量ではなく、バランスもどうしても前重になってしまい、パワーでカバーするスタイルとなってしまった。1日十何時間も手持ち撮影していると肩と腰が悲鳴を上げだす。回によってはタイヤチューブでカメラを吊り、撮影したりした。

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  オムニバス作品の最大の愉しみは多くの演者と仕事出来ることだ。初めての人、旧交を温める人、様々だけど一概に言えるのは皆プロフェッショナルであり、それぞれの役へのアプローチが違っているように感じられ日々新鮮だった。撮影場所も極力嘘をつかないように実際の下北沢にある場所を多く使用している。オープニング&エンディングに使用しているバーも南口から50mくらいの場所だし(観ても分からないが)、本多劇場ヴィレッジバンガード、風知空知、王将など、立地が分かっているとより面白く観れること間違いない。中でも「珉亭のチャーハン」は劇中でも何度か言及される。撮影には使われなかったが、いかに下北沢に根づいているか分かる。自分も撮影中この赤いチャーハンを何度か頂いた。

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  下北沢という街は激しく変遷している。数年後には全く異なる景観となるだろう。脚本家・橋本忍は著書『複眼の映像』の中で、「自分は下北沢の新しい駅を見ることなく死ぬだろう」というようなことを書かれている。そこには下北沢への深い愛着を感じた。数多くの映画人、演劇人、文化人を産んだこの街は、やはり特別なのだ。撮影中、いろんな俳優、スタッフなどが現場を通りがかったり、訪れたりしてくれた。このアプローチの良さこそが下北沢の魅力。

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  写真は古田新太さん、小池栄子さんの掛け声で急遽「都夏」で開かれた打ち上げ。11人の劇作家のうち8人が参加した(左から、細川徹、根本宗子、福原充則、松井周、西条みつとし、丸尾丸一郎、上田誠、えのもとぐりむ、敬称略)。これには古田さんが「スゲー、こんなに劇作家集まるの見たことねぇ」を連発していた。これも下北沢のなせるワザか。人と人が繋がり、円環となり、異なる円環とも繋がることでさらに大きくなっていくーー。消耗するなかでそんなイメージを実感することが出来た『下北沢ダイハード』の撮影だった。

  

 

◼︎『コクウ』(R-18版題『ほくろの女は夜濡れる』)撮影について

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榊英雄監督『コクウ』が7/9から、「OP PICTURES+フェス」の一環でテアトル新宿にて上映が始まる。同フェスは女性などピンク映画に馴染みのない層にも訴求できるようR-15版を上映するもので今年4回目。非常に面白い試みで、気づけば4年連続で自作も上映されている(竹洞哲也監督『誘惑遊女 ソラとシド』(ザオパン・ツェン名義)、榊英雄監督『オナニーシスター』、『裸のアゲハ』『裸の劇団』二部作)。ギャラに見合うことのない、ピンク映画を手掛ける理由はいくつか挙げられるが、限られた予算、時間、空間の中で描ける最もドラマティックでドラスティックなものがSEXであるということに尽きる。未だ一定の俳優(特に女優)にとって「脱ぐ」「脱がない」は大きな問題であり、事務所にとってはジョーカー的な意味合いも持つ。早々にその枷を外した女優が心意気を評価されることも多いが広告系の仕事に影響がないとは言い切れない。自分の体験であるが、江川達也監督『東京大学物語』を手がけたあと、ある仕事をキャンセルされたことがある。『東京大学物語』は“脱ぎ”がないのにも関わらず、出資がソフト・オン・デマンドだったことが引っ掛かったようだ。ロケハンもした後のキャンセルは、フリーの撮影者にとって深い傷痕となった。その後クレジットを気にすることにし、Vシネなどエロ系の仕事は名前の中国語読み“ザオパン・ツェン”名義を使用することにした。その仕事を受ける際にプロデューサー、監督に名義の使用を相談して許可された場合のみ受けることとした。初めてピンク映画を手掛けた『誘惑遊女』もザオパン名義だった。翌年、コンビを組むようになっていた榊英雄監督からピンク映画の誘いを受ける。監督は名義を変えずにやるという。一瞬悩んだのも事実だが、もはや新人カメラマンでもないし、それで仕事が来なくなるのならその人たちとは縁がなかったと考えることとし、本名でクレジットした。それが『オナニーシスター』である。作品の出来にも自分の仕事にも誇りを持っているのでむしろ別名義にしなくて良かったと今では思っている。

 

役者は文字通り裸を曝け出す。曝け出すことで何かを喪うかもしれない。でも得るモノがあると信じるからこそ参加しているのだろう。ならば撮影者としてはそのポテンシャルを引き出すことが仕事である。美しいものはより美しく、禍々しいものはよりおぞましく。榊監督と組んだ前3作がコメディ色が強く、どうしても絡みにエロチシズムを出し切れなかったのが反省点としてあった。次、ピンク映画を手掛けるのなら、シリアスなものをやりたいと伝えたが監督も同じ想いだったようだ。

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  父の借金を売春し返済する朋美は事後に客にホクロを書いてもらう。そのホクロをボールペンで刺し、定着させていく。自傷行為かつ自らの身に刻み込ませる行為の裏には父親との暗い過去があった。大学時代の先輩と再会した朋美は順調に交際を進めるがホクロだらけの体では関係を結ぶことが出来ない。ついに借金を返済した朋美はホクロ除去手術を受け、綺麗な体を取り戻し、プロポーズを受ける。結婚の報告をしに久しぶりに実家に戻る朋美であったがーー。

  榊監督のアイディアを三輪江一が脚本の形にした。全編を通して笑いはほとんどない。ホンを読んだ時に頭に浮かんだイメージはキム・ギドクサマリア』。一見不可解な少女の行動が身につまされて感じられる、そのような朋美の感情を丁寧になぞることに集中した。撮影日数3日(最終日は翌日昼まで撮影したので実質3日半)の中では初動から演じ手が役を把握していないと修正することは難しい。主演の戸田真琴は演じるということを本質的に分かっている女優で、こちらが作ってきたイメージとうまくマッチした。感情を込めることが実にリアルで、恐らく自分や役に嘘をついていないことに拠るのだろう。末恐ろしい女優が誕生したと感じた。

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朋美の同僚でシングルマザーの派遣社員役とみやまあゆみも出色。これまで全ての榊監督のピンク作品に出ているレギュラー役者だが、あのポジションの俳優がいいと作品がよく締まる。朋美と婚約する潤役は可児正光。現場経験の薄さや所作などに課題があったが、映画に映った彼に好感を持つ人も多いと思う。“絡み”という芝居は実に技術が必要で、それを撮影する側もスキルを要求される。今回、川瀬陽太さんの絡みを見て、改めてそのことを痛感している。ピンク映画のような低予算で撮影日数が限られている現場は演技、撮影の技術の宝庫とも言える。そこから見えて来る世界もあるのだ。

  映画とは予算の多寡に関わらず、人間を描くもの。今村昌平監督は生前、「いかに人間とは汚らしいものか、いかに助平なものか、そこを描け!」と口すっぱく指導していた。そこから逆説的に浮かび上がる人間賛歌こそが映画であると。キラキラ系の映画もいいが、泥沼から覗き込む映画もまた美しい。

 

【撮影データ】

SONY PXW-FS7MKⅡ HD収録、S-LOG3

Zeiss ZF レンズ

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◼︎『アリーキャット』の撮影について

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  榊英雄監督『アリーキャット』は2016年の1/17から31日にかけて行われた。監督から「窪塚とKJ主演のロードムービーの企画がある」と聞いたのは前年晩夏だったろうか。80年代後半からのミニシアターブームの下、青春を過ごした者にとって“ロードムービー”という言葉は魔物だ。ジャームッシュヴェンダースアンゲロプロスキアロスタミカウリスマキーー。荒涼とした風景をフィルムという銀塩に刻み込むことに魅入られてこの業界に足を踏み入れた。ジャームッシュヴェンダースの映画を支えた撮影監督が同じ人物ということに気づくのはそう時間は掛からなかった。オランダ人ロビー・ミューラー。2002年のマイケル・ウィンターボトム監督『24アワー・パーティー・ピープル』を最後に闘病生活を送っていると伝え聞く。ジャン=イヴ・エスコフィエ同様、自分達の世代にとっては憧憬の撮影監督だった。

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ミューラーは極端にパースを消す。24mmメインで撮影された『パリ、テキサス』でおいてさえパースの印象はない。映画という立体的空間をあえて平面的に描く。それが逆説的に“奥行き”を与えている、というのが自分のミューラー評だ。“ロードムービー”の映画的文体は彼が構築したということに異論を唱える人は少ないだろう。一人のカメラマンが映画ジャンルの代名詞になっている。当然自分の血肉にもなっており、ミューラーっぽさが『アリーキャット』の随所に出ていると思っている。

  榊監督とはロードムービーというよりはアメリカン・ニューシネマの話を多くしたと思う。特にシャッツバーグの『スケアクロウ』(撮影ヴィルモス・スィグモンド)のコミュニケーションが出来ない世間から無視されているような2人の男の友情は『アリーキャット』の根底に流れている。

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  主演の窪塚洋介さんは三浦大輔監督『愛の渦』で撮影しており、ズバ抜けて情感を醸し出せる俳優で再会が楽しみだった。全く異なるキャラクターだけど存在のリアルさに圧倒される。降谷健志さんとは初めての仕事だけど、俳優業をほぼやっていないのに関わらずベテラン俳優と遜色ないのはポテンシャルの証左だろう。2人は映画の中だけではなく、フレームの外でも友情を深め合っていて、その光景を見るのが実に楽しかったのを覚えている。1月らしい斜光を積極的に捉え、中望遠域のレンズを中心に撮影して行った。大雪で一日撮影が中止になったけど、概ね順調な撮影だったと記憶している。タイトルバックの飛行機は合成ではありません。芝居とクレーン&カメラワークを飛行機に合わせています。

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  撮影はSONY PMW-F3をRGB4:4:4で外部出力し、KiPro QuadでProRes HQ収録。新しいカメラに比べセンサーの読み取り速度やサンプリングレートなどでスペックが見劣るけど、ルックを構成するのはその要素だけではない。F3のRGB444の能力は、周囲のカメラの進化で忘れ去られていた感があるけど、扱い易さという意味では再評価されるべきだと思っている。RAWでもないのに外部収録というのはすでに不可逆だとは思う。いずれにしても自分にとっては長年連れ添ったF3の集大成的な作品になっている。

  グレーディングはSONY PCLの平川裕美子氏。PCL社独自のLUT「ポルフェ」をテスト時に使用してみたら自分好みのルックに。現場でLUTを当てて撮影しようと試みたが、社外に出すのはNGということで旧知でGLADSAD社の山口武志氏に頼んで類似のLUTを作成してもらい現場で当てさせてもらった。コントラストが高く、中間部が少し黄色みがかり、暗部が少しグリーンがかっている。ロードムービーというほど実際に移動して撮影することは出来なかったが、東京という“辺境の地”のザラついた感じを出せたのではないかと思っている。

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◼︎ 『八重子のハミング』公開によせて

佐々部清監督『八重子のハミング』が公開されました。技術論ではなく、この映画の存在を撮影・制作に携わった者の一人としてしたためておこうと思った次第です。

映画業界に入る際に、よく大先輩たちに「親の死に目に会えないと思え」と言われました。実際、映画は撮影に入ると天変地異がない限り、クランクアップまで猪突猛進します。是非はともかく、自分も兄の結婚式を映画の撮影で欠席したりしてます。佐々部清監督も『種まく旅人 夢のつぎ木』('16 阪本善尚氏撮影)の際に母堂を亡くされ、クランクアップまで誰にも告げず、葬儀にも出ずに撮影を続行されたそうです。「何もそこまで」と思われる方もいると思います。これは想像ですが、映画という道に進んだ佐々部監督なりのご母堂や家族に対しての“覚悟”や“仁義”だったのではないでしょうか。監督はこれまでに「母親に褒めてもらう作品を撮る」ということを第一義にしてきたそうです。ラインナップを見れば、佐々部監督作品はヒューマニズムに溢れ、性善説的作風に統一されているのはそのためかもしれません。ご母堂は認知症が進行し、監督の妹さんが面倒をみられていたそうです。母堂本人、介護されてる家族、今後介護する側になるであろう人に向け、監督は映画化を決意しました。

自分も担当した『群青色の、とおり道』('15)を低予算で制作した経験を踏まえ、初めて自身でプロデューサーを兼任し、地元山口県を中心に出資を募り渡り歩いたそうです。途中で大きなスポンサーが降りたりのトラブルもありましたが、どうにか昨年3月中旬にクランクインにたどり着きます。撮影は12年間の話を13日間で撮りました。佐々部監督の演出はひと言で言うと全く無駄がない。準備をしっかりしているので撮影効率が頗る良い。2カメを駆使し、芝居を少ないテイクで収めていきます。自分は他の監督と組む場合、いろいろ意見やアイディアを言う方ですが、佐々部監督の場合、監督のプランに身を任せ、精査する作業に集中できます。

現場スタッフである自分らは13日間を終えるとバラバラになっていきますが、プロデューサー兼任の佐々部監督らにとってはここからが正念場。出資、協賛も引き続き募り、ポスプロ作業をし、宣伝配給の準備をしなくてはならない。山口県の先行上映は11月。7館で25,000人を動員しました。監督が地元で培ってきた人脈や信頼が生んだ結果だと思います。全国公開と間が空き過ぎているのでは?と自分は疑問を抱いたのですが、敢えてそうしているとのこと。山口県では通用した宣伝方法は東京や全国では通用しないので配給会社と一からやり直したそうです。そうして迎えた昨日の初日でした。舞台挨拶もあり、どの劇場も満員でひとまずホッと肩をなでおろしたようです。監督は願掛けのため大好きな酒を今年に入って断ってました。勝負はまだまだこれからですが久々のお酒は美味しかったようで挨拶で感無量の様子でした。

「命をかけて」とは簡単に言える言葉ではありません。同級生には映画に命をかけ、実際に亡くなってしまった方もいます。佐々部監督は相当な覚悟でこの映画を世に出しました。「自分のベストムービー」とも語ってました。映画では一見妻を夫が支えているだけに思えますが、実際は相互関係になっているわけです。監督とスタッフキャスト、協力者との関係もそれに近いのだと思います。交歓の回数や濃度が大きくなるほど、エネルギーは増幅しさらに周囲の人を巻き込んでいくのです。介護の現実、人生の最期は映画のように綺麗事では終わらないかもしれません。他の人の苦労を直接的に体感することは難しい。ですがどんな苦労も時間が経てば浄化されるのもまた事実です。“ファンタジー”かもしれませんが愛する人に看取ってもらうこと、それは幸福の一つのカタチです。近くにいる人を大切にする、ただそれだけを伝えたかった映画なのかもしれません。


右から、佐々部監督、高橋洋子中村優一、襟川クロ(舞台挨拶司会)、坂上専務、木原佑輔(ともにアーク)、月影瞳、安倍萌生、文音、升毅 (敬称略)

◼︎『架空OL日記』の撮影について

『架空OL日記』は、バカリズム氏がOLになりきり半分で書いていたブログが原案になっている。描かれているのは銀行員の日常であり、映画やドラマにあるような起承転結はない。せいぜい電気ストーブが壊れたとか、誰かが盲腸になったとか、ゴキブリが出たとか、支店長がシュークリームを大量に買ってきたとか、などである。この既視感や“あるある”を楽しむのが本作品の正しい鑑賞方法だと思う。

あくまで“日常”であるから、住田崇監督からは『とにかくリアルに』というオーダーを当初から受けていた。そもそも男性であるバカリズム氏扮する升野という“女性”が主人公な訳でリアリズムも何もあったものではないが、そのギャップこそが興味をそそられる部分なのだと思う。男子禁制の女子更衣室がメインの舞台であり、残りは銀行カウンター、給湯室、食堂、通勤路。話によってレストランやジムが出るくらい。更衣室、給湯室はセット、銀行カウンターはレンタルスタジオ、食堂は東映スタジオの本物を休みの日に借用、他はロケセットといった具合である。ワンシチュエーションものにありがちなスリーフラットなセットではなく、4面をキチンと見せることを重視し、セットのロッカー面は車輪付きの平台に載せ、1分で外したり、取り付けられるようにオーダーして作ってもらった。この手の芝居は鮮度が大事で、段取りが決まったら速やかに本番に移行し、回数を最小限にすることを意識する。演者はホン通りに芝居はされるのだが、突然アドリブが入ったりするので、そこは編集が可能になるようにカメラを置いた。会話部分は2カメで撮影。つまり同方向を狙うのではなく、必ず挟んで撮影するスタイルを採った。ワンショットも完全な単独にするのではなく前後の人物を絡めることでアドリブに対応するとともに臨場感を醸しだすことを意識した。バラエティ的なスリーフラットのセット撮影の場合、3カメ以上が多いと思うが、マスターショットに対し、寄りの画が望遠になり過ぎる。映画っぽさを要求されていたので、レンズは単焦点で50、58、85など中望遠域をワンショットでは多用した。



カメラは使い慣れたPMW−F3。S×S収録(4:2:0)。外部収録も考えたがマルチカメラでありデータ容量が膨大になることと、グレーディングをあまりいじらない基本姿勢だったので内部収録のみで行った。蛍光灯の壁面に当たるグラデーションがバンディングを起こすのではないかと不安視したが、ライティング時にNDフィルターを大部分の蛍光灯に入れ極度の強弱を省いたことによって避けることが出来た。リアルな空間なので実際に蛍光灯がベースライト。日中のシーンはそれに外光を足すことで成立させている。蛍光灯球は所謂スリーエー(AAA)と呼ばれる球を使用。色温が4300Kなので、カメラ設定を近似値にし、外光も4600〜4800K程度とした。つまりカメラの設定を変えず、外光のライトを落とすだけでそのままナイターシーンも撮れるように工夫した。フィルターはグリマーグラスなどもテストしたが、最もさりげないソフトF/Xの薄いものを採用した。銀行のイメージカラーがブルーで衣装も青、更衣室のロッカーはグレーで、ブルーグレートーンで統一されている。撮影・照明も大事だが、画のトーンを決定するのは衣装や美術であると再認識した。

様々な意見があるとは思うが、個人的にはとても気に入った作品になりそう。何よりも映画学校の2期先輩に当たるバカリズム氏と一緒に仕事出来たのが嬉しかった。夏帆臼田あさ美山田真歩佐藤玲三浦透子、初めてご一緒する方が多かったが芸達者な女優たちに本当に感心させられた。“ドラマ”のないドラマ、楽しんで頂けたら幸いです。

『架空OL日記』公式サイト
http://www.kaku-ol.jp/story/index.html